TWELFTH NIGHT - Live at the Target (1981)

 

Brian Devoil..................Batería

Andy Revell...................Guitarra acústica y eléctrica

Rick Battersby...............Teclados

Clive Mitten...................Bajo, teclados y guitarra clásica

1ª cara:

- Für Helene

- After the eclipse

- East to west

2ª cara:

- Sequences

Considerado como uno de los pioneros o precursores de lo que se llamará neo-progresivo, surgen a finales de la década de los 70, como reclamo de todos aquellos seguidores del genero, que se habían quedado huérfanos tras el varapalo que el estallido del punk produjo en los grandes dinosaurios. Dominaban el panorama y habían caído en la opulencia otorgada durante la década, llevándoles a comportamientos y situaciones que rayaban el exceso de frivolidad y arrogancia. Un importante sector de la juventud que sufría las consecuencias económicas de la crisis, contrario a estas actitudes y posiciones de opulencia de las grandes bandas con las que no se sentían identificados, optaron por rechazar todo aquello que tuviera relación con ese mundo y hacer un -reset- en el rock, partiendo desde lo básico, lo que supuso el inicio del punk y todas las vertientes que vendrían detrás.

Pero al margen de todas esas actitudes de las viejas bandas, la realidad fue que la industria empezó a ver filón en esta irrupción inesperada. Los grupos empezaban a salir de todos lados y a acaparar la atención de los medios, éstos se sentían atraídos por la polémica acarreada por esos chicos y por sus formas de manifestarla. El deterioro musical fue importante, pero ya no importaba la genialidad del músico, sino su aspecto transgresor y sus letras desafiantes, denunciando los errores de la clase política, la decadencia económica y la manifestación de la insatisfacción de una juventud sin un futuro claro.

El panorama había sufrido una transformación necesaria para limpiar todo ese ambiente viciado, y pronto apareció en muchas bandas la necesidad de renovarse o morir ¿Y la juventud que seguía interesada en aquella música situada ahora en un segundo plano? De esa necesidad de continuar con el estilo, emergió el movimiento denominado posteriormente como neo-progresivo. Músicos muy formados y expertos en su instrumento, quieren mantener la experimentación y exploración musical, pero adaptados a los nuevos tiempos.

Estos muchachos unieron fuerzas en un concurso de talentos de la universidad de Reading en 1978, conocida más adelante por ser un enclave de conciertos para presentación de nuevas agrupaciones. Sus fundadores fueron Andy Revell y Brian Devoil, y de hecho se puede decir que son el núcleo importante en cuanto a su aportación se refiere. En un principio se llamaron ANDY REVELL BAND, pero poco después cambiaron su nombre al actual. Circularon grabaciones iniciales no oficialmente reconocidas, en formato maqueta y casete pirata, fue difícil el comienzo, algo que debían de tener claro teniendo en cuenta los tiempos. Sabían que tenían que trabajar duro empezando desde abajo, dada la nueva perspectiva.

Grabarían un casete con temas en vivo y en estudio titulado "The first tape album", un periódico musical dio con ella y los críticos la votaron como 'Demo of the week' siendo mencionado a nivel nacional por primera vez. Animados pusieron un anuncio en Melody Maker buscando una voz y escogieron a Electra McLeod con quién grabarán una segunda cinta. La gira con Electra no funcionó bien y a finales de 1980 decidió marcharse. Ante la necesidad de conseguir fondos y un cierto éxito rápido, se ponen manos a la obra para grabar un álbum en vivo, éste que os presento hoy. El disco funcionó bien y los aupó en puestos del ranking, esto les llevó a firmar su primer contrato con Pinnacle Records y surgieron las primeras actuaciones en el prestigioso Marquee Club.

A ritmo de marcha marcial arranca un álbum llamado a dejar una profunda huella en la que recalaran venideras formaciones en las décadas de los 80 y 90. Nueva sangre empezará a salir de las sombras paulatinamente hasta conformar una generación de progresivo para decir: 'Aquí estamos para darle un giro al estilo'. Un trabajo íntegramente instrumental en directo y dividido en sólo 4 extensos temas. Al igual que su carpeta es una obra que hoy se puede catalogar casi de artesanal, donde el sonido que se recoge es realmente genuino, sin adornos, sin florituras, mostrándose natural, cercano, con una producción limitada que se caracteriza por su austeridad. Eso lo convierte en un producto muy auténtico, cálido y próximo al público, tal vez siguiendo la pauta marcada por la tendencia punk de hacer las cosas sin tapujos, olvidando lo superfluo, lo ostentoso.

Los instrumentos suenan potentes, duros, descarnados. Es un trabajo espartano, austero, basado en la interpretación pulcra, no es lo mismo la composición que si está bastante cuidada y elaborada. Se producen gran cantidad de cambios de ritmo, característica del progresivo por antonomasia aunque moviéndose casi siempre en una atmósfera similar. Los teclados son una buena muestra de austeridad, con registros y ambientaciones limitadas a ciertos trucos. Es como si los tuviéramos delante de nuestras narices. (afer the eclipse). Es la guitarra la que pone toda la carne en el asador trabajando a destajo por medio de pedales efectistas, genera atmósferas más densas que cubren en ciertos momentos , vacíos en las canciones con una sarta de sonidos reverberantes, leed-backs, delas, engordando el cuerpo de los temas y aportando mayor dimensión sonora. A la guitarra hay que sumarle la batería, con una labor profesional de calidad excepcional creando los ritmos adecuados que aportan solidez y potencia a las composiciones.

Las diferencias con el rock progresivo de la era dorada son ostensibles en 'live at the target', para empezar se alejan de las influencias del blues , el rock clásico y todo aquello que tenga que ver con las influencias del rock americano, el folk, la psicodelia y toda la ancha banda que se dio por las década anteriores, aproximándose a la imaginería de sonidos más industriales y actuales. Se verán influenciados por toda la caterva post-punk que explota tras la casi desaparición del movimiento punk. Las bandas de sonidos oscuros y gotic rock son un caldo que les hace sumar ideas. THE CURE, JOY DIVISION, KRAFTWERK, y otras bandas coetáneas dark son peso específico que queda reflejado en la forma de trabajar el sonido. Todo ello les confiere una nueva identidad, un progresivo revisado, un género actualizado sin perder la esencia de lo que significa. Una nueva orientación que calará de aquí en adelante aportando aire fresco al mundo de la música. Algo que no durará siempre, con el tiempo el estilo se frivolizará, devaluará y saturará, pero eso es algo que llegará en la década de los 90.

WALLY - Valley gardens (1975)

 

Roger Narraway...............Batería

Pete Cosker......................Bajo, guitarra, voz

Paul Middleton................Bajo, Steel guitar

Roy Webber.....................Guitarra y voz principal

Pete Sage..........................Bajo, Mandolina y violín

Nick Glennie-Smith..........Teclados y voz

1ª cara:

- Valley gardens

- Nez Perce

- The mood I'm in

2ª cara:

- The reason why

a) Nolan

b) The charge

c) Disillusion

Es difícil realmente hoy en día, para los que amamos este tipo de música, pensar que una banda como está pudo quedarse fuera de juego a las primeras de cambio. Cuesta creerlo pero así fue, esta y muchas otras, algunas ya nombradas en el blog. Pero es que para los que éramos muy jóvenes entonces o para algunos de vosotros que no habíais nacido aún, no podemos saber con certeza la abundancia, el innumerable número de bandas que merodeaban por el planeta, la efervescencia de la industria del disco con sus brillos y sus mates, la ebullición de todo tipo de rock en unos años en que los inversores y los grandes empresarios, especulaban con las ganancias que se podían obtener en cuestión de nada, a velocidad de vértigo. Eso supuso que con tanta oferta y tanta demanda, no se perdía tiempo en debatir, si merecía la pena continuar apoyando a este o aquél. Qué lejos queda todo aquello, nos daríamos con un canto en los dientes si pudiéramos retornar a ese escenario. Parecía que no se podía ir a peor, pero para sorpresa nuestra lo han conseguido, y de sobras.

Excelente banda poco, muy poco conocida en los círculos progresivos, aún siendo británicos. Oriundos del estado de Yorkshire, irrumpieron en el mundo del rock al llegar hasta la final de un concurso organizado por la revista Melody Maker, donde fueron derrotados por DRUID, otra banda conocida en este espacio que también sufrió sinsabores, con una descarada influencia de los archifamosos YES. Aun así WALLY , tuvieron la oportunidad de grabar una sesión de la BBC, ya que un miembro del jurado se sintió muy atraído por su sonido. Contrajeron lazos nada menos que con Atlantic Records, entrando en los estudios para grabar lo que sería su primer álbum con título homónimo. Un disco con muchas connotaciones folk, sobretodo irlandesas, con inclusión de violín, secciones de viento y guitarras acústicas, todo ello entremezclado con los teclados, entre ellos el mellotrón. Su producción estuvo supervisada por Rick Wakeman, quién fijo su atención en ellos durante una gira, en la que en muchas ocasiones abrieron para los de Jon Anderson.

Para promocionarse se embarcaron en una macro-gira por EEUU, Japón y Gran Bretaña. La enorme cantidad de conciertos y la falta de descanso de un combo que apenas había conocido las mieles del éxito, originó un desgaste demasiado pronto del que no se recuperarían. El álbum debut no se vendió según las expectativas creadas y un "Trust" como Atlantic R. no concedía segundas oportunidades, salvo a gente ya consagrada que producía beneficios solo con nombrarlos (ya se sabe..... los americanos ....el dolar es el dolar) . Así pues, decidió reducir pérdidas y los abandonó a su suerte sin dilación.

La renuncia de su mecenas no tardó en producir reacciones. La desmembración de Wally no había hecho más que empezar. Tras el magnífico "Valley Gardens" que no sirvió ni para presentarlo en una gira, fue el final para cada uno de los músicos integrantes, dieron comienzo a una nueva vida en aspectos muy diferentes, dando por terminada la aventura, con pocas probabilidades de un resurgimiento. Y eso fue lo que ocurrió, aunque en 2010 hicieron una fulgurante aparición con la grabación de nuevo material, para volver al anonimato.

Al escuchar este disco con el que cerraron su trayectoria en los años 70, te das cuenta de que podían haber realizado más material interesante, se adivinan posibilidades. Músicos bien formados, serios, con unas composiciones solidas, plenas de diversidad instrumental, originales por un lado, pero donde se esconden cantidad de sonidos que nos recordarán a grandes bandas de la mejor época del progresivo en Europa. Ecos de bandas como YES, ELP, MOODY BLUES, TRIUMVIRAT, RARE BIRD, GREENSLADE, GENESIS y especialmente BARCLAY JAMES HARVEST se esconden en las melodías entrelazadas. Estamos en los años dorados del progresivo y el bagaje que arrastra la década no deja imperturbable a otros que empiezan en esa disciplina, aunque como ya he dicho en otra ocasión, la banda a pesar de las sombras que le cubren mantiene una cierta personalidad que los hace diferentes.

Un trabajo más instrumental que vocal, tiene como pilares principales en la consecución compositiva al violín eléctrico, muy importante hasta el punto de realizar solos que bien podrían ser cubiertos por la guitarra eléctrica y que aportan un aire barroco a las atmósferas. No se suele prodigar mucho, pero es cierto que también triunfa en grandes como CURVED AIR, KANSAS o ROXY MUSIC. Otros que también son esenciales en la creación de los temas son los teclados, contando con un variado grupo compuesto por Mellotrón, Hammond, moog, piano, etc., que empujarán definitivamente con su nuevo teclista la banda hacia el progresivo dejando mermado el folk que apenas se atisba ya en las canciones extensas.

La versatilidad musical es una de sus características con cantidad de giros inesperados en las largas jams instrumentales, sostenidos por una variación frecuente en los instrumentos utilizados. No muestran un sonido rígido ni encajonado, todo lo contrario. Los silencios apenas existen, los arreglos son constantes sobretodo a cargo del piano y también cuentan los coros de voces de la mayoría de los miembros. Ambientes y atmósferas relajantes , oxigenadas, con aire fresco fluyendo constantemente y con reverberaciones acampanadas que rebotan en la pureza del aire.

El plato fuerte del día se encuentra en el lado B del acetato, que contiene un solo tema subdividido en tres magníficas partes que dejan un sabor de boca que cuesta olvidar, con las atmosferas reverberantes e inquietantes como intermedio entre unas y otras, sin llegar a seccionarse por completo. Su música es cálida, armoniosa y evocadora en algunos fragmentos con ciertos toques incluso melancólicos, llegando hasta a oscurecerse.

Todo un trabajo de primera que no hay que pasar por alto para los que gustéis del genero. Música envolvente con grandes historias impresas dentro de largos desarrollos, que cuenta con la garantía de unos miembros entregados.

JASPER WRATH - Jasper wrath (1971)

 

Jeff Cannata...................Batería, voz

Michael Soldan..............Teclados y voz

Phil Stone.......................Bajo y voz

Robert Gianotti.............Guitarras y voz

1ª cara:

- Look to the sunrise

- Mysteries

- Autumn

- Odyssey

2ª cara:

- Did you know that

- Drift through our cloud

- Portrait My Lady Angelina

- Roland of montever

Banda norteamericana, concretamente de Connecticut, cuyo inicio se fecha en 1969. Solo van a dar lugar a un álbum dos años más tarde en 1971, sin embargo en cuestión de 6 ó 7 meses tras su formación, escribirán un buen montón de demos que enviarían a compañías de discos, en lugares estratégicos para el contacto como New York y Los Angeles. Pronto recibieron respuesta interesada por parte de la MGM Records y sin dilación firmarán un contrato grabando su primer trabajo cuyo título será homónimo al nombre del grupo.

Nada más programar un tour para girar por toda la nación, el guitarrista Robert Giannotti co-fundador, sin previo aviso y sin razones claras abandonará la nave en el arranque de un debut ante el gran público. Su reposición no resulto una labor fácil, y tras un periodo sin conseguir el componente apropiado, el proyecto se disolvió de mutuo acuerdo pero con la latente idea de volver.

Soldan y Cannatta durante el tiempo que el grupo funcionó, estuvieron muy interesados por la escena progresiva Británica, viajan a Londres para explorar las posibilidades musicales, se tomaron unas vacaciones en Mallorca, donde escribirían la mayor parte de las composiciones más memorables, incluidas en el álbum del que hablo en estas líneas. Es por ello que estamos ante una formación norteamericana, que no se corresponde con las características de la extensa mayoría ubicada en su país, en lo que concierne al rock progresivo y sinfónico. La influencia recibida por lo que escucharon en Europa es definitiva a la hora de crear sus temas, alejándose del rock más contundente y duro que protagoniza el progresivo en EEUU, más próximos a compatriotas como GRAVITRAIN y similares.

En el periodo en que se empaparon durante su visita a las islas Británicas, accedieron a diversos conciertos, en uno de ellos contemplarían a YES en acción. Entre bambalinas consiguen aproximarse para conversar con Rick Wakeman, a quién le preguntan por el Mellotrón, un instrumento desconocido para ellos y por el que sienten una gran atracción. Wakeman les indica la función del aparato y su aplicación en el rock progresivo, pero les advierte del precio excesivo que conlleva comprarlo. Las cifras son imposibles de alcanzar, no pueden acceder a él, sin embargo no cejan en el empeño y tras una serie de búsquedas por diferentes circuitos, van a lograr embarcar en su viaje de vuelta a casa con uno por un precio ridículo, 700 libras.

Su estilo totalmente entregado al sonido europeo está construido sobre unas texturas generadas por guitarras rítmicas acústicas y las voces de todos los miembros, una constante en cuanto a coros que vertebra los temas, clave para todas las piezas, grandes voces que se convertirán en el elemento de cohesión, y que tienen mucho de los magistrales juegos vocales (Portrait My Lady Angelina) que los MOODY BLUES, nos brindaron en tantos y tantos momentos. Y no solo van a tomar de referencia esa magia de voces, también el empleo de la flauta dulce y los arreglos a cargo del piano, sublimes a lo largo de todo el disco, y fundamentales es el entresijo de los desarrollos instrumentales que llevan a cabo. No son piezas extensas en las que se sumerjan en trabajos instrumentales progresivos, pero si es cierto que tienen una complejidad que no suele ser habitual en grupos que debutan, en los que la producción suele ser más bien deficitaria, pero en el caso de estos chicos, es un elemento a tener en cuenta y muy cuidado. Sus creaciones no ofrecen secciones ni cambios de ritmo abruptos, su estructura es más bien sencilla aunque muy alimentada de diversidad instrumental. No obstante no estamos hablando de cuatro amigos que se han juntado para empezar a tocar, antes de acabar siendo miembros de JASPER WRATH , ya habían obtenido experiencia todos ellos tocando en agrupaciones locales.

Escuchando con detenimiento podemos observar que bebieron de diferentes fuentes, aunque lo primero que nos viene a la mente sean MOODY BLUES, hay otras bandas que también calaron en las ideas de estos americanos. Las atmósferas que flotan en la mayoría de los cortes son más de corte sinfónico, pastoral, sin crudezas, buscando constantemente la melodía apacible, en las que apenas entra la guitarra eléctrica para destacar, y cuando lo hace es en términos de distorsión aportando ese pequeño margen psicodélico a las composiciones.

Look to the sunrise me recuerda inevitablemente a SPRING, MOODY BLUES y otros similares, donde se respira un cargado aire a la inglesa, pero también mostraron interés por el sonido oscuro de formaciones underground como PINK FLOYD en Odyssey, donde juegan con los armónicos de las guitarras y la guitarra acústica suena muy Gilmour. Did you know that y Drift through our cloud asombran por los ritmos introducidos, más propios de encontrarlos en la música de SANTANA, con un fuerte sabor latino, la primera con riff de guitarra hard, única en todo el álbum, y la segunda que salvo por el ritmo, es como si fuera cantada a capela. Parece que no solo fue en Inglaterra donde recogieron información.

El interés que mostraron en el mellotrón durante su estancia en el viejo continente, no tiene reflejo en el único álbum que alcanzará las tiendas. Tal vez debido a que no habían aprendido todavía a utilizarlo, cuando grabaron el disco, o porque las piezas ya estaban establecidas para ser grabadas de esta manera o se limitaron a reforzar los coros vocales. Puede ser que en la única pieza que se aprecie sea, la que da finalización a la obra (Roland of montever), un track donde la influencia del sonido canterbury es patente, con un inicio y final al estilo In the court of the Crimson King, pero esto ya es cosa mía . En su lugar utilizaran los sintes del momento y tampoco veremos aparecer en ningún instante el viejo Hammond C3.

Tras la grabación de su obra continuaron en el panorama realizando apariciones en programas de radio y televisión locales, tocando aquí y allá, pero no aunaron fuerzas para seguir adelante creando nuevos temas que ofrecer. Definitivamente la plaza de guitarra fue ocupada por Scott Zito, que nunca llegaría a grabar un nuevo LP, se limitó a participar en las andanzas de la banda en el circuito de actuaciones destinadas a un público más reducido, hasta llegar al final de la historia en 1976, donde la disolución fue irrevocable.

BAHAMAS - Le voyageur immobile (1976)

 

Roger Rizzitelli...................Batería, voz

Dominique Perrier.............Piano, órgano, sintetizadores, fender y voz

Didier Batard......................Bajo y voz

Patrice Tyson.....................Guitarra acústica y eléctrica, voz

1ª cara:

- Jimmy

- Motel

- Norway samba

- Bahamas

2ª cara:

- Oscar Chesterfield

- Bizarre

- Il pleut des fleurs sur mon piano

Una vez más, me topo con otra de esas bandas que con esfuerzo consiguen publicar una obra de calidad, para volver a la oscuridad y desaparecer sin dejar rastro. Fruto de la mala suerte, de una errática trayectoria o por ninguna razón aparente, caen fulminados permaneciendo en el anonimato durante décadas. Pero los que solemos hurgar en las heridas e indagamos con constancia más allá (y en youtube hay mucho para eso), de vez en cuando tenemos la fortuna de tropezar con alguna piedra preciosa como ésta.

El exótico nombre no es precisamente un reclamo para los que disfrutamos del progresivo, podría pasar desapercibido, pero su portada nos llama poderosamente la atención, tantos años de ferias y desconocimiento, nos ha curtido la intuición para saber reconocer cuando estamos ante un producto prog. Tengo que decir que también me he llevado muchos batacazos, pero poco a poco se fue imponiendo la regularidad para acertar. Ahora, con internet, ya no existe ese problema que prevaleció durante unas décadas, la información es descomunal, apabullante, nos emborrachamos, aunque BAHAMAS, no es el caso, tampoco hay muchos datos en la red sobre ellos.

Hablamos de una formación francesa, concretamente procedentes de su capital, que cantan en su lengua materna y cuya duración en los circuitos de la industria discográfica fue muy breve, de 1974 a 1976, dando como fruto este interesante álbum, cuya portada es una trocito de arte surrealista delicioso a los ojos, una combinación bien repartida entre los estilos de René Magritte y Salvador Dalí, dos pintores soberbios en ese movimiento.

Los componentes de este cuarteto eran músicos que acompañaban a una estrella del momento, CHRISTOPHE. Gracias a él obtuvieron los favores de los directivos del sello Polydor allí en Francia, y así pudieron grabar su primer y último disco, bajo un sello menor que ese mismo año también empadronaría a un joven muchacho llamado JEAN MICHEL JARRE, que venía haciendo sus "pinitos" con la música electrónica. Él sería quién de alguna manera se convertiría en la causa de la desaparición de la banda BAHAMAS, Dominique Perrier sin aviso previo se marchará para participar en los Conciertos en China de Jarre, de hecho una vez rota la unidad, Roger Rizitelli se marcha también para unirse a Perrier y crear un combo orientado hacia la electrónica llamado Space art. La fuga de estos músicos, hizo saltar por los aires la remota posibilidad de seguir adelante con el proyecto, por lo que tras su evasión se dio por concluida la efímera existencia que acarrea un olvido progresivo.

Es un conjunto algo atípico para lo que se venía practicando en tierras galas, se aleja del concepto musical de ANGE, del Zeuhl practicado por los idolatrados MAGMA, y tampoco se aproximan a los ambientes oníricos y la fragilidad de unos PULSAR. Se presentan con un halo de oscurantismo más propio de compatriotas como ARACHNOID, otros huérfanos que tampoco pasaron a la posteridad, entre otras cosas porque su trabajo cayó en pleno terremoto New Wave a finales de los 70. Aunque no debería, sorprende la buena calidad de la grabación, las grabaciones del sello Dreyfuss, me parecen de lo mejorcito que se ha hecho, el Concierto en China recogido en directo tiene una calidad excepcional, pero no solo eso, todo el material de Jarre en estudio con este sello es impresionante.

El rock progresivo de BAHAMAS es heterogéneo, no son las estructuras clásicas del estilo, ni mucho menos las anglosajonas, tienen una fuerte tendencia a construir composiciones semejantes a las atmósferas generadas por grandes progresivos italianos como ALPHATAURUS y ACQUA FRAGILE, ejemplos de muchos otros transalpinos.

Igual que llama la atención la calidad de la grabación con ese sonido limpio, también lo hacen la cantidad de efectos que introducen, su variedad en los arreglos, así como los monumentos sonoros que levantan con todo el arsenal de sintetizadores, está claro que los músicos de estudio de Christophe dominan los instrumentos que ponen a su disposición. Se hace patente el interés de Perrier por los sonidos electrónicos que poco después le llevarán a trabajar por su cuenta, y es que los sintetizadores de nueva generación desplazan en el protagonismo al órgano.

El factor rítmico es clave, formándose un triunvirato vital y cohesionado entre la batería, el bajo demoledor y el piano. Este último a base de acordes sincronizados con el bajo, buscando más graves que agudos, convertido en el timón de la nave es conductor de la dirección compositiva. La guitarra se ocupará de poner la pincelada psicodélica con tonos ácidos, que en ocasiones parece sintetizada y efectista, produciendo un gran contraste con la sección rítmica. Eso cuando es eléctrica pero la acústica tiene mucha cabida en el disco, hay varios temas en los que un halo de melancolía flota es sostenido por la acústica (Norway samba) separándose de la dinámica de la música llena de efectos, y sintetizadores. A la guitarra solo se suman unos coros para arropar a la voz principal, es entonces cuando la performance se acerca más al rock sinfónico italiano, son temas más accesibles, aunque eso no quiere decir que estén exentos de calidad musical, pero son más melódicos, proximidad a las fronteras del pop con un férreo revestimiento de sintetizadores, efectos y atmósferas que le otorgan una ambientación space y electrónica.

Se podría decir que es un trabajo que busca el perfeccionismo, la producción no deja ningún cabo suelto, la instrumentación no introduce grandes cambios de ritmo pero existen , aunque tienden a seguir una línea sin sobresaltos en la que van sumando capas y capas engrosando una textura instrumental que conduce a unos magníficos pasajes sujetados en muros sólidos de sintetizadores, donde la heterogeneidad del sonido nos hace descubrir diferentes caminos, jazz (Bizarre), pop (Oscar Chesterfield), rock (Bahamas), prog (Il pleut des fleurs sur mon piano), éste último es el tema más complejo, el mejor construido con una idea progresiva más tenaz en su estructura, con un fuerte componente épico, junto con Jimmy. Una gozada del país vecino donde hay que hacer una parada si se puede.

NOSFERATU – Nosferatu (1970)

 

Michael Meixner....................Guitarra eléctrica

Reinhard Groh........................Órgano

Byally Braumann....................Batería

Christian Felke........................Saxophone, flauta

Michael Kessler.......................Bajo

Michael Thierfelder................Voz principal

1ª cara:

- Highway

- Willie the fox

- Found my home

2ª cara:

- No. 4

- Work day

- Vanity fair

En la segunda mitad de la década de los 60, se dio un hecho fundamental para la aparición de gran cantidad de grupos musicales en Alemania. Una nación nutrida de jóvenes ávidos por dejar aflorar sus sentimientos, donde todavía seguía reciente el dolor y vergüenza por la división del muro. Frankfurt fue su bastión, pero surgió en otras partes del país; los clubs y otros centros de ocio, comenzaron a organizar actuaciones de gran cantidad de bandas inglesas, emergentes dentro del underground, principalmente. Necesitadas de promoción fueron muchas de ellas a tocar a estos locales, y la juventud alemana respondió a la llamada, estos acontecimientos supusieron un perfecto caldo de cultivo, para formaciones alemanas que deseaban darse a conocer, muchos de ellos, con la idea de crear un sonido propio, que les concediera su identidad ante el público.

El creciente interés del joven público teutón por todos estos movimientos dentro de la música Rock, provocó que los locales para llevar a cabo estos eventos crecieran como setas. Una rápida organización estableció una red de conciertos para jóvenes valores locales, se le llamaría "Beat Competition" y básicamente consistía en una serie de conciertos, con muchas bandas participantes, donde la audiencia escogía a sus ídolos. Esto ayudó a que los jóvenes intérpretes intentasen crear su propia música para llamar la atención. Fue una explosión de nuevos conjuntos que tuvo su mayor escenario, en el área principal del rio Rin, espacio de nuevas performances.

Una de aquellas agrupaciones sería NOSFERATU, que escogieron el nombre del famoso film, perteneciente a la escuela expresionista, dirigido por Fiedrich W. Murnau en la década de los 30. En el concurso consiguieron alzarse hasta la 2ª posición del ranking, y eso les llevó en volandas a firmar un contrato, que sin demora se tradujo en la grabación del álbum que tenemos entre manos. Cuando terminaron con la creación del disco, sin dilación emprendieron una gira por todo el país, abriendo para bandas como STEAMHAMMER y HUMBLE PIE, como muchas otras formaciones del momento. La unión de los jóvenes músicos empezó a fraccionarse, la atmósfera en el seno se tornó tensa, eran artistas más preocupados por las influencias sociales, como el movimiento hippie, las comunas, o el esoterismo que con los términos, dirección, organización, conceptos promocionales y trabajo continuo, que era lo que estaban viviendo constantemente con cierto agobio . Además la competencia con otros que aparecían en Tv, radio o clubs, estaba colocando el listón de la música experimental muy alto, y la presión soportada por los miembros de Nosferatu se hizo insoportable, la separación no se hizo esperar, y dos años después de publicar su homónimo todo se había terminado. A esto hay que añadir su poco reconocimiento por el público amante del rock en el país germano, que los etiquetaban como un proyecto demasiado raro y underground.

Una verdadera lástima su desaparición, porque si bien es cierto que irrumpieron una ingente cantidad de grupos, algunos prometían más que otros, y el legado de Nosferatu, una vez que has escuchado su trabajo, tiene un sabor amargo e incompleto, algo que aprendes a discernir, después de años de escuchar opciones similares. Con seguridad eres consciente de que su evolución hubiera estado repleta de delicias a descubrir.

Describir su música no es fácil, confluye una importante caterva de estilos e influencias, con una formación de 6 miembros, algo inusual en la época, sobretodo dentro del Rock underground, se empaparon de todo tipo de sonidos procedentes de la escena radical británica, pero también germana. Las composiciones son extensas, elaboradas pero a su vez complicadas e intrincadas, fundamentalmente instrumentales, aunque la voz aparece también, pero deja espacio para el desarrollo del sonido . Música muy variable en la que construyen diversas atmósferas acordonadas por elementos experimentales, caracterizadas por planear con insistencia, capas desasosegantes y plomizas, creando una sensación de pesadumbre, peculiaridad muy extendida en el Krautrock de los 70.

El sonido es crudo y áspero, lo que le confiere autenticidad, suavizado solamente por los arreglos y las intervenciones de flauta y saxo en su mayoría. En el conviven un progresivo primitivo, psicodelia abundante, esencia Kraut, algunos elementos de jazz, adaptaciones tomadas de la floreciente electrónica de la kosmische musik Berlinesa e incluso hard. Todo un conglomerado que visto así parece difícil de digerir e introducir en estos magnos bloques instrumentales, pero la puesta en escena resulta más enriquecedora de lo que imaginamos.

La rítmica impuesta nos atrae rápidamente, los "grooves" establecidos por la pareja batería - bajo son magníficos, la batería de Braumann, en concreto el bombo, dota de armonía el ritmo yendo a contracorriente del bajo, es decir utiliza el contrapunto dentro del pentagrama, los resultados son tremendos y uno se deja llevar por ellos sin resistencia. La guitarra es otro pilar importante, muy psicodélica en su sonido, escupe ácido dejando a su paso una estela corrosiva contrarrestada por los instrumentos de viento que refuerzan las armonías, y también por el órgano que aunque tiene un comportamiento psicodélico atiborrándose de distorsión , crea unas frases que se repiten a lo largo de los temas, (Found my home, Vanity fair) alternando sobre una nota final ascendente y descendente, que nos hace cabecear de un lado a otro, un patrón rítmico cohesionado envolvente y subyacente con un punto hipnótico.

Sonando dentro de sus piezas no es difícil observar algunas alusiones al progresivo primigenio de una importante corporación dentro del prog mundial e inglés como son VAN DER GRAAF GENERATOR, siendo una referencia muy clara, incluso a la hora de construir ambientes tensos u oscuros. También son reflejo de formaciones underground del momento, en Inglaterra en la onda de SPRING, RAW MATERIAL, y a germanas como SATIN WHALE, CAN o MY SOLID GROUND entre otros. En sus introducciones de jazz, la interpretación en su manera de proceder con la instrumentación de viento, reproducen las configuraciones muy similares a las presentadas por gente de la escuela Canterbury, SOFT MACHINE, NATIONAL HEALTH; la guitarra se aparta a labores estructurales y el órgano se silencia a los bajos fondos, tomando el mando de la melodía un clarinete o un saxo. Y otro elemento presente en la música de Nosferatu es la ambientación y las cuñas experimentales que va dejando caer, con una performance aprendida de las agrupaciones germanas que asoman en la recién estrenada Escuela de Berlín, con figuras como ASHRA TEMPLE, KLAUS SCHULTZE y TANGERINE DREAM.

Un disco que supone una explosión para los sentidos, difícil en las primeras escuchas, un conglomerado de composiciones mecanicistas herederas del Krautrock y otras de libertad, experimentación y casi podemos decir, improvisación, asimiladas de sus experiencias y de sus predilecciones, conectadas bajo una producción bastante correcta.

KLAATU - Hope (1977)

 

John Woloschuck..........Voz, guitarra, teclados, bajo

Dee Long......................Guitarra

Terry Draper.................Batería, voz

1ª cara:

- We're off you know

- Madman

- Around the universe in 80 days

- Long live Politzania

2ª cara:

- The loneliest of creatures

- Prelude

- So said the lighthouse keeper

- Hope

Si este trabajo hubiera sido firmado por una banda de las grandes del rock sinfónico seguramente habría escalado peldaños muy altos en el escalafón de la disciplina rockera. Es toda una construcción clásica siguiendo los cánones del patrón para realizar una obra emblemática: Álbum conceptual, grabación realizada con toda una orquesta sinfónica de cámara, y no precisamente cualquiera, se trata nada menos que de la London Symphony Orchestra, inclusión también de algunos toques progresivos que le otorgan aspectos novedosos, producción de gran calidad, y buenas voces que consiguen armonías interesantes; una serie de ingredientes que sumados son garantía de éxito en la comunidad sinfónica.

Lo malo de todo esto es que el disco salió a la calle en 1977, año criminal, el punk estalló definitivamente para barrer con todos los patrones, cánones y directivas habidas como si de una apisonadora se tratara. Si a eso le sumamos que la banda era una recién nacida como quién dice, viniendo de las frías tierras de ese enorme y no tan desconocido país que era Canadá (recordemos que las olimpiadas de 1976 fueron en Montreal), podemos entender mejor que fuese obviada por la prensa mediática. El "establishment" de la música se tambaleaba y los cimientos cedían ante la horda de punks con hambre de romper con todas las imposiciones, alimentando la anarquía y la "sin ley" como reacción a todo el abuso y despliegue desmedido de los endiosados grupos de Rock.

El álbum en cuestión, algo apocalíptico, versa sobre la supervivencia del único ser de una arrogante raza de seres que advierte a los viajeros de peligros en los últimos días de su vida. Se trata de su obra más progresiva, ya que debutarían con otro cuyo sonido estaba más orientado a un pop-rock con un cariz, que durante mucho tiempo hizo pensar al público y a los medios que estaban ante una creación anónima de los ¡mismísimos BEATLES!. Tras una larga temporada en esta tesitura todo quedó desmentido y el triplete se dio a conocer. El nombre lo tomaron de un personaje de la película "Ultimatum a la tierra", que acompañaba al icónico robot destructor.

El sonido de KLAATU se podría definir como una combinación de otras formaciones muy conocidas y encumbradas en el universo del rock sinfónico y progresivo, RENAISSANCE, THE ENID, PROCOL HARUM, por la dimensión de la producción orquestal y las armonías, a revueltas con otras como GROBSCHNITT o NEKTAR de la parcela más progresiva.

La ejecución es brillante, interpretada con sincronizada perfección, la coordinación de la instrumentación rock con la orquesta parece ser llevada a cabo por una banda madura y no por nóveles. Compleja labor que destaca por la originalidad de la composición, con especial relevancia de la sección de viento en ciertas piezas. Como es lógico en este arte, encierra momentos épicos erigidos sobre la vasta multitud orquestal, instantes de altos vuelos que nos transportan a estadios superiores, pasajes líricos que describen bellos paisajes a pesar del carácter pesimista del mensaje.

No obstante no se puede negar que el tema "We're off you know" con el que arranca, no tenga ese aire pop beatle que durante un largo periodo hizo creer que se trataba de ellos, y es que la guitarra es ejecutada de un modo que nadie diría que no es George Harrison en persona. Corte simpático, fresco, con ritmo y con armonías vocales recordando a los Beatles de "Sergeant....". Sin embargo después se sumergen en contrastes con matices progresivos "Madman", mezcla de suave melodía bañada en órgano que choca con una guitarra dura, relevándose uno y otro hasta el final en un extraño tema. "Around the universe in 80 days", nuevamente con profundos contrastes, cambios de ritmo y producción elaborada vuelve a poseer esa atmósfera extraña, quedando patente la compenetración grupo-orquesta. En la segunda cara , la sinfonía crece y se desata ofreciendo fases de verdadero trabajo de cámara, edificio sinfónico-progresivo sólido levantado con un gran despliegue al que tuvieron que optar muy lejos de su país. Hope, que da nombre al esfuerzo pone fin haciendo regresar nuevamente el fantasma de los "Fab four".

Curiosa banda con mucha clase y con una capacidad que sorprende, más de lo podamos imaginar en principio. A tener en cuenta.

CHRIS EVANS Y DAVID HANSELMANN - Stonehenge(1980)

 

Chris Evans...................PPG Wave computer, Arp 2600, Vocoder 2000, Sintetizador con circuito secuencial,....

David Hanselmann........Voz

-Colaboraciones-

Jürgen Schroeder.........Guitarras

Roy Louis......................Guitarra sintetizada y eléctrica

Reinhard Besser............Guitarra sintetizada y eléctrica

Tissy Thiers...................Bajo

Dicky Tarrach................Batería y percusión

1ª cara:

- Sunrise-Stonehenge Theme

- Salisbury plain

- The stones of Avebury

- Earth magic

- Silbury hill

2ª cara:

- Genesis

- Glastonbury, temple of the stars

- Cadbury castle, king Arthur's Camelot

- Epilogue- Stonehenge Theme

En la década de los 70 y más concretamente en su segundo lustro hubo un interés elevado por asuntos que encierran misterio como los casos de avistamiento OVNI y aspectos relacionados con ello, culturas arcaicas con elementos extraños que podían conectar con estas supuestas civilizaciones extraterrestres (Erik von Daniken, escribió numerosos libros sobre ello y estuvo en el candelero), las famosas líneas de Nazca, las ruinas de Machu Pichu, las pirámides y sus enigmas, los monumentos megalíticos como el de Stonehenge, los moais de la isla de Pascua, el poder psíquico de la mente, las abducciones, lo paranormal.....pudiendo enumerar muchas más cuestiones. Quedó reflejado en libros, en el cine y también en la música se trataron algunos de estos asuntos.

Este es uno de esos casos, abordando la temática del misterio que rodean las piedras del conjunto de Stonehenge, el músico, compositor y productor Chris Evans compuso un álbum conceptual dividido en títulos que nos trasladan a la zona del punto crítico y sus alrededores. No será la única ocasión en que este monumento megalítico haya servido de inspiración, HAWKWIND en 1984, poco después, dejará volar sus notas psicodélicas y espaciales, le servirá de escenario para realizar un concierto en vivo en el que la gente se confunde con las enormes rocas, una de las pocas veces que se permitirá pisar su suelo, hoy en día es un territorio protegido donde solo se puede acceder con ciertos permisos.

Chris Evans había trabajado para otros, también realizó música para publicidad, colaboró en la creación de bandas sonoras de films, e incluso en eventos como el mundial de futbol, inglés de nacimiento afincado en Alemania coincidió con un estadounidense de origen, David Hanselmann, que se labró una buena reputación sobretodo en la escena kraut-prog, hombre polifacético que se embarcó en proyectos de diversa índole, pero sin formar parte de ninguna banda. Aquí ofrecerá su voz, pero es curioso que aunque aparece en el título principal, en los créditos ni siquiera se le nombra. El mérito es de Chris Evans, pero sería justo que al menos se reconociera la labor vocal de Hanselmann, los colaboradores y sus instrumentos se mencionan. El disco ganó el premio al álbum conceptual en el festival de Jazz de Montreaux, un segundo disco pondría punto final al dúo.

D. Hanselmann

En la línea de "Ancient of gods" de PAUL FISHMAN, el disco entronca en intencionalidad y estructura pero sin el oscurantismo y épica del primero. Una introducción de teclados con secuenciadores nos invita a entrar en el mundo mágico, inicio muy electrónico, nos topamos con unas guitarras acústicas arropadas por capas de teclados acolchados desembocando en uno de sus mejores temas, Sunrise, emocionante y lleno de vitalidad con una voz espléndida convertida en la protagonista de la pieza en una atmósfera muy positiva. La batería de teclados es muy abundante, las nuevas tecnologías son aprovechadas y la variación es constante, sonando de muy distintas maneras, el tecno está en su punto más alto y eso no pasa desapercibido para nadie. Ambientes despejados y sonidos espaciales son tónica mientras Hanselmann pone un torrente de voz que se acomoda a todas las texturas en un juego en el que conviven los arpegios acústicos elementos más cálidos con sonidos fríos de los sintetizadores. Música que sin ser pretenciosa, ni virtuosa especialmente, consigue ser singular rodeándose de un aura de originalidad que se pierde en los últimos temas, cortes que le sobran, pasando a un estado casi ¿hard? en una propuesta 'disco' que parece material de relleno, bajando el nivel de calidad de otras composiciones.

Chris Evans

Obra curiosa y ecléctica que goza de buenos momentos en el que es posible encontrar ritos iniciáticos, cantos místicos y cierta experimentación electrónica (ARP, VCS3, SONY 80) consiguiendo propagar un delgado hilo de misterio pero solo en instantes puntuales, careciendo de la fuerza dramática suficiente para trasladarnos la fascinación del embrujado lugar.